近日
华师美术学院两位学子作品
《今绘丘山》和《蓝色交响曲》
入选全国中青年创新艺术展
并被中国美术馆永久收藏
国家最高艺术殿堂的认可
是青年才华的勋章
也是华师育人的硕果
彭嵩捷（左）与梁智彦（右）
2026年8月，由中国美术馆主办的“全国中青年创新艺术展”落下帷幕。华师美术学院美术与书法专业2024级硕士研究生彭嵩捷的作品《今绘丘山》，与2025级硕士研究生梁智彦的作品《蓝色交响曲》，经过多轮的严格评审入选展览，并被中国美术馆永久收藏。
中国美术家协会秘书长王平（左二），著名国画家、中国国家画院原院长卢禹舜（左三），中国国家画院院长、中国美术家协会副主席刘万鸣（左四），中国美术家协会名誉主席冯远（中），中国美术馆党委书记杨雄（右三），与彭嵩捷（右二）、梁智彦（右四）合影
中国美术馆作为国家级艺术殿堂，此次入选不仅是对两位华师学子艺术创作水平的高度认可，更是我校美术学院研究生培养质量与创新能力的生动体现。展览开幕现场，两位同学的作品受到美术界著名艺术家们的高度关注与积极点评。中国美术家协会名誉主席冯远、中国美术馆馆长潘义奎、中央美术学院院长林茂、中国画院院长刘万鸣等专家，既肯定了作品的创新创意思维，也提出了中肯的意见。专家们的认可与期许让两位同学备受鼓舞，更加坚定了继续创作的信心。
“全国中青年创新艺术展”是中国美术馆首次推出的聚焦中青年美术创新发展的全国性专题大展，从中国美术馆新近收藏、特邀策展人推荐以及全国范围内征集的2600件美术作品中，经过四轮多层级、高标准的学术评审，最终精选出150余件兼具思想深度、艺术水准与创新价值的代表性作品。
一笔一画 仔细雕琢
将寻常物象化作丘山
作品中藏着他独到的艺术思索
执笔绘胸中丘壑
彭嵩捷与作品《今绘丘山》
在全国中青年创新艺术展上，一幅描绘“石膏质感的冰山”画作引人驻足。仔细看去，画面中央的石膏山体洁白透亮，上面的光影沟壑刻画得栩栩如生，让观者不禁感叹：这到底是摆放石膏像的展台，还是挂在墙上的水彩画？这幅作品《今绘丘山》的作者便是彭嵩捷。
平时生活中，彭嵩捷就有意识地去观察周边可以入画的物品和景象。作为美术生的必学项目，画石膏在彭嵩捷心里有着特殊的意义。2025年下半年，他在美院画室寻找绘画素材时发现，覆盖塑料薄膜的人物石膏像在顶光下呈现出独特的美感——薄膜的折痕在石膏人像边缘的转折就像大山的沟壑，呈现出独特的视觉效果。“太巧妙了！我立即就想把它画下来。”得知中国美术馆要主办创新艺术展后，彭嵩捷便决定以此为素材创作参展作品。
《今绘丘山》 中国画 70cm*50cm（中国美术馆藏）
区别于传统雅致的山水画，彭嵩捷想运用水彩技法，描摹出覆有塑料薄膜的石膏像质感的山水意境。他说：“我希望它是安静的、克制的，甚至带一点距离感。”于是，他暗化背景、简化外形，将视觉中心聚拢在画面中央，加强山体如静物标本的感觉。为了下笔时胸有成竹，彭嵩捷在前期做了充分的准备和构思。
今年5月20日开始，彭嵩捷正式起稿，但第一天就差点被困难“劝退”。他先用线条勾出整体外形，但勾线极为费眼——石膏内部的形体变化太丰富，每画一根线，都要对照照片找转折，而且还不一定找得准。“当天勾完这个线稿时，看到那个画面就有点崩溃了，不知道怎么动手。”第一天，他画了两三个小时，仅完成了一小块。
接下来的创作，画面由这一小块慢慢扩散到全部。他边画边探索这样的表现方式是否合适。在这个过程中，他不止一次想过放弃，其中最大的难题是：“塑料膜到底怎么画才对？”这对彭嵩捷来说非常棘手，因为这是他第一次尝试画这种材质的静物。塑料薄膜与石膏像的黑白之间的表达和转折，应如何用颜色深浅区分开来？塑料膜“薄”且“透”的质感，能透出石膏像的那种白，又该怎样去描绘？更矛盾的是，“透明感、厚度、反光、褶皱的锐角......这几样在水彩里是互相打架的，水彩天生是“透”的，但塑料膜的‘硬’和‘薄’它又出不来。”虽然网上有艺术家有画过类似题材，但大多把高光画得很明显，与他想表达的内容不一样。
彭嵩捷想了很久的办法，有时实在不行，他便停下来，对着石膏和塑料膜道具仔细观察，反复看褶皱纹理到底如何反光，不再凭感觉落笔。他试着用颜色慢慢推染，不刻意留出高光。那段时间，他无数次给自己打气：“这张画哪怕最后不成，试过的这些技法也不会白费。”心态一松，手反而不紧张了，进入状态后，他能画一整个下午。此外，背景那抹深邃的“黑”也不一般。很多黑色颜料大面积涂开后都会带有颜色倾向，比如会泛蓝或偏紫。彭嵩捷试了十几种黑颜料，最后敲定了“吉祥国画颜料”里的黑——足够深邃，且不会反光，能够撑起画面的对比，把中间的内容凸显出来。两周后，整幅画作终于完成。
今年8月，彭嵩捷收到了《今绘丘山》成功入选展览并被中国美术馆永久收藏的邮件。在此之前，他正处于创作低谷期，部分作品投稿后并未取得理想结果。就连这次投稿，彭嵩捷也十分忐忑，不确定作品能否得到评委的认可。这次成功入选，于他而言是一次“涅槃重生”，也让他对未来的创作方向充满信心。“既然作品得到了认可，我就可以安心在这个方向继续琢磨、继续深耕。”彭嵩捷十分感谢创作中不吝赐教的老师，感谢他们陪自己走完整个创作过程。未来，他会在这个方向继续探索：“从日常生活中取材，以小见大，经过艺术化处理，传达自己的创作理念。”
借笔墨奏响乐声
让生灵伴人潮同游
探寻天地相融的深意
奔赴永不停歇的艺术征途
从个体走向万物共生
梁智彦与作品《蓝色交响曲》
2026年7月，在中国美术馆的展厅里，《蓝色交响曲》前时常有观众驻足观赏、合影。“自己的创作能够收获专业人士和各地观众的肯定，这带给我很强的满足感。”观众的关注，让梁智彦真切感受到作品被欣赏的喜悦。
画作灵感源于他在长隆海洋馆的一次游览经历。经过美院的专业学习，梁智彦养成了观察画面与光影的习惯。在海洋馆里，他注意到的不仅是鱼，还有另一番景象：“人和动物被折射进一层蓝色的光里，非常协调地融合在一起，这给我一种很特别的感受，我当时就想将这一幕画出来。”
《蓝色交响曲》 中国画 300cm*220cm（中国美术馆藏）
2025年5月底，他开始构思创作。然而，脑海中的画面真正落在纸上，远比预想的艰难。从前期准备到最终定稿，梁智彦前后花了5个月的时间。为了把真实的感受表达出来，他借鉴了交响乐的特质，将轻重缓急的节奏转化到画面中：部分位置用重笔勾勒，对应音乐急促的节奏；部分画面处理得简约疏淡，对应舒缓的乐章。在推敲鱼群布局和人物疏密时，他前后画了上百幅小稿。画桌上，两台平板、一部手机和手绘稿乱成一团是常态。“改到几十次的时候，我都想放弃这一步了，觉得画在大画的时候再去考量也可以。”话虽如此，每当画不下去时，他就站起来在画室里走一走，透透气，再坐回画板前，一点点坚持把线稿做完。
着手画鱼群时，他参考了前辈们画鱼的方法，仔细揣摩画面里的鱼群结构。他观察到，一些画家把鱼描绘得过于具象，以至于有些呆板。“鱼像标本定在画面里”，这是他最不想看到的效果。反复尝试后他领悟到：不能把所有东西都画出来，而是利用笔墨技巧，做到有虚有实，画面才能生动。在导师周耀威的帮助下，他结合大量鲸鲨视频和专业素材反复修改，才把鱼的形体结构画得准确生动，让它们在纸上“活”了起来。
在灰蓝色调的背景里，小巧却不失鲜活的人物十分“吸睛”。梁智彦分享道：“对于人物，我力求‘笔精墨妙’，在关键之处细细琢磨。比如画面左下角的小女孩，我着重刻画她‘惊叹’的神情，其他的细节就做出让步。”除此之外，人物素材的选取同样重要。“在长隆收集素材时，我拍了上千张人物图片，画稿时就要做判断，从中选出好描绘、与画面适配的对象。”
人物处理好了，构图也有讲究：“画面两边密集拥挤的人群，衬托出中间拍照男女的‘疏’，自然地展现出视觉的焦点。”为了让“鱼群”“玻璃”“人物”三者的关系在画面上更清晰，他也做了不少尝试：“我不断修改，用不同表现手法画了几十稿对比效果，最终才决定加重人物墨色，并在人物群像的墨色与背景的蓝色之间加一层石绿色过渡，让画面色彩更加透亮。”
《蓝色交响曲》是梁智彦研究生阶段一次鲜明的专业突破。导师周耀威引导他：“要从个人熟悉的题材，慢慢转向关注普通人生活，从中挖掘创作素材。”由此，他从本科聚焦自己“熟悉角落”的个体视角，转向了关注人与自然和谐共生的社会群体层面。梁智彦说：“我本科毕业创作风格洒脱狂野，而《蓝色交响曲》粗中有细，画面藏着许多值得细细品味的细节，更有感染力。”从题材立意到技法表现，他完成了一次扎实的专业跃升，成为他研究生阶段宝贵的成长印记。
创作的路上 他们不是孤身前行
良师引路 同窗并肩 学院护航
在一次次试验与漫长打磨里
他们敢于跳出既定的创作边界
共同探寻艺术的更多模样
并肩寻光 潜心琢艺
两幅作品虽然切入点不同，一个聚焦环境，一个侧重人与自然万物的关系，周耀威却敏锐地指出了它们的内在共性：无论是彭嵩捷用塑料薄膜包裹冰山，还是梁智彦描绘人与海洋生物隔玻璃相望，都表达了“人与自然和谐共生”的内核，这是他们在主题构思上出彩的共同点。这种出彩，更体现在他们对画面思想内涵的持续探索上。
“这些作品在创作过程中完全没有预想到最后的样子。”周耀威介绍，彭嵩捷将水彩与国画技法融会贯通，梁智彦则融入了综合材料的技法。这些都不是事先预设的结果，而更像一场艺术实验。在不预设结果的前提下反复摸索和实践，才能让画面呈现最好的效果。他同时感慨，“艺术创作不是花了时间就会马上有结果，有时还需要一点顿悟。”但如果没有前期的持续投入，顿悟也无从谈起。
这种不预设结果的“艺术实验”，在两位学子的并肩探索中体现得尤为生动。从各自的独立创作，到同窗之间的默契搭档，他们对艺术的探索从未停止。“我们俩相辅相成，思维和性格很互补，都在学习对方身上的闪光点来补自己的短板。”彭嵩捷谈起同窗梁智彦时说道。2025年暑假，两人决定利用假期共同完成一幅作品。当时正好有一个以材料为主题的展览，在跟老师协商构思时，他们感慨于现代社会和科技的飞速发展，便想尝试用与城市、科技相关的原材料，去表现一个平面样式的现代化城市面貌。
他们将作品取名《硅基幻城》，创作时两人没有用传统的画笔，而是选择废弃电路板作为材料。为了拼出现代化城市景象，他们每天要面对一堆形状各异的废旧零件。“形状大小都不一样，得慢慢找配件，还要让画面有层次，是个体力活也是脑力活。”面对难以推进时，彭嵩捷坦言自己性子急，时常因为迟迟拼不出满意的效果而陷入焦灼。每到这时候，一旁的梁智彦总会笑眯眯地抛出一句“夸夸语”：“捷哥，你前面拼的这个很牛啊，这么复杂的形状都让你拼上了！”这句缓解焦虑的鼓励，总能打破熬到深夜的沉闷，让画室里紧绷的空气重新轻松起来。
在梁智彦看来，这段共同打磨作品的日子，带给他的触动远不止画面本身。“有时候我会松懈，但彭师兄对待作品始终严谨负责，这种认真推敲细节、持之以恒的态度是我最需要学习的。”这次合作让他真切体会到团队探讨的价值，也让这段并肩作战的经历，有了超越画作本身的意义。最终，《硅基幻城》这幅作品拿下了第八届粤港澳大湾区学校设计作品展环境设计赛道的一等奖。
个人的奋力攀登与同窗的并肩作战，是作品诞生的“台前”力量；而在聚光灯之外，学院与导师团队的悉心托举，则是不可或缺的“幕后”支撑。在学生创作过程中，学院不仅给予了充足的空间与时间支持，更在导向上鼓励学生大胆创意、敢于创新，并配套奖学金激励机制，让大家能够潜心创作。为了打破校内资源的局限，学院还专门聘请了一批来自广州画院、广东画院、广州美院及其他高校、拥有丰富创作经验的教授担任校外导师，在学术指导上为学生们保驾护航。
导师周耀威（右）与梁智彦
周耀威表示，在这种开放包容、严谨多元的学术氛围中，两位同学敢于跳脱既有框架，在持续实践中实现了从技法到理念的全方位突破。他期待两人多出好作品：“未来的路还很长，希望他们能画出既符合时代发展，又能触动人心的作品。这一点非常难做到，但正因为难，才更要去做。”这既是周耀威对学生的期许，也是两位学子一路走来的真实写照。这份“难而为之”的坚持，正是他们迈向更广阔艺术舞台的底气。前路漫长，属于他们的艺术探索才刚刚启程。
笔墨落纸 初心不改
两位学子以作品为媒介
叩问人与自然共生的命题
艺术之路漫漫 求索永不停歇
期待华师青年
继续扎根现实 大胆创新
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采写丨陈梦莹 林宇晴 陈钦骏 王瀚博 吴梦萌
摄影丨叶梦涵 邓怡庭
部分图片由受访者提供
制图丨李凌颖
执行编辑丨刘宇琪 刘湘媛
责任编辑丨卢嘉裕 陈婧 吴建国 张健新
初审丨沈蔚瑜
复审丨林海岸
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